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LOS LÍMITES EN LAS FOTOCOPIAS DE OBRAS MUSICALES

Hoy en día, en muchos centros de enseñanza se utilizan las fotocopias como material de clase. Este hecho, perjudica hoy al autor y al editor y a medio plazo a la cultura general, ya que la falta de retribución de los autores y editores dificulta la creación y edición de las obras, limitando su numero y su publicación. Todo esto nos empobrece culturalmente.

Existe una legislación para el uso de fotocopias, con carácter general, la realización de fotocopias de obras musicales sin la correspondiente autorización, es un delito contra la propiedad intelectual.

Únicamente se pueden realizar fotocopias de las obras que hayan cedido sus derechos a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos), aunque con algunas importantes limitaciones a tener en cuenta:

-Únicamente se puede fotocopiar un 10% de los libros de música o métodos de enseñanza o hasta 7 paginas de las partituras, siempre que no se supere en 20% de la obra.

-Solamente se puede fotocopiar hasta un máximo de 7 copias de un mismo original en un solo acto o encargo.

*Si los autores o editores no han cedido sus derechos a CEDRO, en ningún caso se podrá fotocopiar dicha obra, incurriendo en un delito denunciable por el autor o editor.

En el caso de que dicha fotocopiadora esté en el propio centro de enseñanza y además tenga suscrita la correspondiente licencia con CEDRO:

-Se podrá fotocopiar hasta un 10% del libro o método de enseñanza y de las partituras el 100%.

-No se pueden fotocopiar libros o métodos cuya extensión sea menor o igual a 5 páginas.

-Las fotocopias solo pueden ser utilizadas por personal, alumnos y profesores del centro en el interior del mismo. En actuación fuera del dicho centro, solo se podrán utilizar los originales.

Fotocopiar un libro o partitura no autorizado o superar los limites señalados supone un delito contra la propiedad intelectual.

Fotocopiar material, nos empobrece a todos culturalmente, ya que elimina la justa retribución de autores, compositores y de todos aquellos músicos relacionados con la obra, reduciendo la posibilidad de que sigan componiendo, así como la supervivencia de las editoriales de música, eliminando su motivación para seguir editando.

Las personas que fotocopian hoy, pueden ser los perjudicados mañana.

Fuente: Comité de Sinfónicos de la Asociación Española de Editores de Música.

La música es una de las artes con más potencial emocional, ya que toda ella llega a nuestros sentimientos y nos transforma.

El estudio de la música cultiva el gusto, la autodisciplina, el orden, y desarrolla la inteligencia en todas y cada una de sus áreas.

Realmente se puede jugar a ser músico sin serlo, así como se puede dar un concierto a nuestros familiares, sin que haya más público, podemos ser grandes músicos dentro de nuestro propio entorno, incluso sin saber leer ni una sola nota poder tocar con fluidez un instrumento.

Algunas personas centran sus habilidades musicales en estos aspectos y sin recibir ningún tipo de educación musical, o siendo, totalmente autodidactas se dedican por entero a la música.

Aunque si deseamos tener todos los conocimientos teóricos, rítmicos, vocales y auditivos, que se deben tener para poder llegar a ser un buen músico en cualquier área, pudiendo llegar a elegir si queremos dedicarnos a la composición, dirección de orquesta, canto, ejecución o pedagogía entre otras, cuanto antes empecemos nuestros estudios musicales mejor, esto quiere decir, en el momento en el que la mente ya puede tener un razonamiento lógico, pues nos vamos a acercar a un lenguaje completamente abstracto.

No quiere decir esto que, con antelación no se haya tenido ningún tipo de contacto con ella, porque eso sería un error, el niño puede jugar con juguetes musicales, o escuchar todo tipo de música clásica para acercar sus sentimientos más profundos al mundo ideal de la música.

Pero si una persona de una determinada edad, no tuvo esa oportunidad en la infancia, o bien comenzó sus estudios abandonándolos después, y quiere retomarlos de nuevo, no quiere decir que no lo pueda hacer. La mente está siempre abierta al conocimiento, estudiar música bien, tan solo depende de la metodología utilizada para llegar a los máximos conocimientos y con la mayor alegría posible.

La progresión, el adelanto, y la conjunción de conocimientos sobre lenguaje musical e instrumento es muy gratificante cuando la pedagogía está bien enfocada, hasta el punto de que puede haber escolares, o personas de cualquier edad que quieran estudiar dos especialidades al mismo tiempo, lo cual no es más que el resultado de su motivación, por la alegría que sienten en su interior al tocar y aplicar los conocimientos aprendidos.

En la actualidad los estudios de lenguaje musical e instrumento comienzan al mismo tiempo, es decir, un alumno que se matricula en 1º de enseñanza elemental debe cursar las dos asignaturas simultáneamente, sin embargo, en este momento no se tienen conocimientos musicales específicos para poder leer las partituras de instrumento.

Por eso, es fundamental, la clase de lenguaje musical, porque es en ella, donde se adquieren todos los conocimientos necesarios para poder comenzar a preparar las obras que deben tocar a lo largo del curso académico.

Deben aprender las notas, los ritmos más elementales, los elementos de velocidad e intensidad, ya que todo ello aparece en una partitura cualquiera, y hay que tener en cuenta que la facilidad que se adquiere de lectura en la clase de lenguaje musical, facilita la labor instrumental, ya que se montan más rápido las obras, y el estudiante debe dedicarle al instrumento menos tiempo diario para poder dominar las obras.

Esto no ocurre solo en 1º de enseñanza elemental, es un proceso didáctico que afecta a todos los niveles. Está comprobado científicamente, que los alumnos más destacados en lenguaje musical son siempre, los mejores instrumentistas, ya que la compresión que se tiene del texto es mucho mayor, y tan solo deben dedicarle tiempo a la técnica y la interpretación.

Es por todos estos motivos por los que los estudios de lenguaje musical e instrumento están intrínsicamente relacionados, aunque en muchas ocasiones, se piense que la dificultad de lectura es mayor en lenguaje musical que lo que realmente se estudia en instrumento, pero esto es por un importante motivo ya que el alumno tiene 10 años hasta finalizar los estudios profesionales de instrumento y tan solo 6 para finalizar los de lenguaje musical, por lo que la dificultad debe siempre ir por delante, ya que llegará un momento en el que nadie le asesore de cómo debe enfocar el estudio de una determinada partitura, siendo él, y sus conocimientos previos los que le guíen.

Les informamos de que del 27 de Mayo al 12 de Junio, nuestras publicaciones estarán presentes en la 75ª Feria del Libro de Madrid ubicada en los Jardines del Buen Retiro en el Paseo del Duque de Fernán Núñez en Madrid.

En las casetas: EL ARGONAUTA DE LA MÚSICA (caseta numero 76) y KIRIKÚ (caseta numero 98) , podrán encontrar títulos como LOS INSTRUMENTOS MUSICALES Y SUS AGRUPACIONES o INICIACION A LA MÚSICA, entre otros.

Como conmemoración al 75 aniversario de esta importante feria, les dejamos un poco de historia...

La primera Feria del Libro de Madrid se organizó en 1933 como parte de los actos de la Semana Cervantina, del 23 al 29 de abril. Aquellas primeras casetas, pintadas de diferentes colores, se instalaron en el paseo de Recoletos. Sobre las mismas se habían dispuesto altavoces, no solo para oír el día de la inauguración los discursos de las autoridades, sino también a los escritores del momento que, durante la semana, fueron tomando la palabra ante el micrófono situado frente a la iglesia de San Pascual.

La Feria de 1934 llevó el apellido de “nacional e hispano-americana”. Instalada en el mismo paseo del 6 al 16 de mayo –“de diez de la mañana a doce de la noche”– decía ofrecer “el panorama más completo de la producción editorial en español”.

Se celebraron dos ediciones más (1935 y 1936) antes del estallido de la Guerra Civil. La contienda y la primera posguerra abren un paréntesis que se cierra en 1944, cuando las casetas vuelven al paseo de Recoletos y la Feria es rebautizada como Feria Nacional del Libro –en ese momento su organización recae en el Instituto Nacional del Libro (INLE)–.

Desde 1967 la Feria disfruta de su actual ubicación, el Parque de El Retiro. El creciente aumento de solicitudes de participación de libreros, editores y distribuidores obligó a buscar un nuevo espacio: el tiempo ha demostrado el acierto en la elección del Retiro, hoy estrechamente ligado a esta cita anual con el libro y la lectura.

En 1982, la Feria pasa a denominarse Feria del Libro de Madrid –su organización es asumida por el Gremio de Libreros de Madrid, en estrecha colaboración con los Gremios de Editores y de Distribuidores– y es por primera vez inaugurada por SS. MM. los Reyes. Desde entonces, cada año, un miembro de la Familia Real da por inaugurada la edición con un paseo matinal entre las casetas.

Nos complace informar a todos nuestros clientes que a partir de hoy Jueves 26 de Mayo, está disponible nuestro nuevo titulo editorial: LOS INSTRUMENTOS MUSICALES Y SUS AGRUPACIONES.

Lo pueden encontrar en nuestra página web en la categoría Catálogo Editorial, Material Complementario. Si lo desean, pueden descargarse dos temas de muestra, así como escuchar sus respectivas audiciones.

Se trata de un libro enfocado para cualquier persona que disfrute con la música, siendo especialmente útil en alumnos/as que pertenecen a orquestas o grupos instrumentales, debido a que podrán conocer su instrumento y los que le rodean, profundizando en su evolución a lo largo de la historia y sus características o cualidades, todo esto acompañado de ilustraciones detalladas para la comprensión del funcionamiento y partes fundamentales del instrumento tratado.

El libro está estructurado en ocho temas, cada uno dedicado a una familia: cuerda percutida, cuerda frotada, cuerda pulsada, viento-madera, viento-metal, percusión, agrupaciones musicales y agrupaciones vocales, y cada tema contiene unidades correspondientes a cada instrumento o formación, conformando un total de veintitrés unidades.

El soporte auditivo que acompaña a la publicación contiene audiciones seleccionadas cuidadosamente en base a su belleza y al lucimiento del instrumento en particular, pudiendo hacer una diferenciación auditiva de los mismos, con obras de compositores como Antonio Vivaldi, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Frédéric Chopin, entre otros. Haciendo un recorrido así mismo, de las diferentes épocas en la historia de la música.

Se han incorporado ejercicios al final de cada unidad, que de una manera un tanto lúdica, intentan que el alumno/a aprenda dichas características, información relevante para la comprensión de ese gran instrumento que es la orquesta.

Esperamos que disfruten con esta publicación tanto como hemos disfrutado nosotros creándola, porque cada instrumento o agrupación es particular y tiene una belleza especial que hemos intentado plasmar en cada unidad tratada.

Yehudi Menuhin (1916-1999) fue un violinista y director de orquesta, es considerado uno de los más grandes violinistas del siglo XX.

A los tres años, Yehudi Menuhin acompañaba a sus padres cuando estos asistían a los conciertos de la Orquesta de San Francisco. El sonido del violín de Louis Persinger gustaba tanto a Menuhin que insistió en tener uno en su cumpleaños y que Persinger fuera su profesor. Menuhin obtuvo ambas cosas y a la edad de diez años ya era un intérprete de fama mundial.

Con un gran talento precoz, Yehudi Menuhin -acompañado por su hermana menor, la reconocida pianista Hephzibah Menuhin- asombró al público de la década de 1930 con su ejecución de las grandes obras del repertorio violinístico. Desde entonces su carrera fue imparable, conquistando a las audiencias no sólo por su sabiduría musical, sino también por su calidad humana.

Su carrera artística, desarrollada a lo largo de siete décadas, es una de las más espectaculares de nuestro tiempo. Como violinista primero, y posteriormente como director de orquesta, protagonizó, junto a los mejores solistas y formaciones orquestales, importantes convocatorias en los principales escenarios internacionales. Aliando la técnica irreprochable con una comprensión extraordinaria de la música, trabajó un repertorio muy amplio: de los clásicos Bach, Ravel y Beethoven a la música de vanguardia, de la música barroca a las improvisaciones de jazz con Stéphane Grappelli.

Menuhin se preocupó, durante toda su vida, por las grandes cuestiones del siglo XX, tanto en lo relativo a la educación como a la defensa de los derechos de las minorías, en numerosas manifestaciones públicas defendió la tolerancia y cooperación entre diferentes pueblos y culturas y nunca dejó de librar batallas por la música, la paz y la convivencia entre los hombres; ante todo, fue un humanista comprometido con la defensa de los derechos humanos. En 1945 intervino en el concierto de inauguración de la ONU, volvió a actuar en Alemania, preconizando la superación de las graves secuelas de la Segunda Guerra Mundial.

Su carrera de músico y reconocimiento público, Doctor Honoris Causa por más de 30 Universidades del mundo, entre ellas la Universidad de Córdoba, le sirvieron para emprender, sin tregua, la defensa de los más débiles, lo que le valió numerosas distinciones, entre ellas: Premio Nerhu de la Paz en 1968, Premio Mundial de la Paz en 1979, Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO en 1992 y Premio Príncipe de Asturias a la Concordia en 1997, Lord Yehudi Menuhin desde 1993.

En 1991 creó la Fundación Yehudi Menuhin Internacional, cuyos cometidos prioritarios son la integración e inclusión social, educativa y cultural de niños y niñas desfavorecidos, desde el arte como herramienta de cohesión social, la defensa de los derechos de las minorías culturales, el fomento de la convivencia y la tolerancia y la creación de redes de cooperación internacional en los ámbitos de la educación y la cultura. “Es por luchar contra las injusticias que he visto a lo largo de mi vida por lo que creo una Fundación que lleva mi nombre”. Éste es su mandato.

Varios neurocientíficos han estudiado como se comporta el cerebro humano cuando interpretamos música, escaneándolo para averiguar como generan la fuerza mental que requiere.

Prácticamente no existe ninguna destreza o actividad que necesite tanta actividad cerebral. La pregunta que habría que formularse es ¿qué partes del cerebro no están activas cuando interpretamos música?

La música es una combinación de tareas, los músicos leen las notas, sienten las teclas (en el caso del piano), mueven los dedos y escuchan lo que están tocando, dándole la interpretación adecuada, todo al mismo tiempo.

Al iniciar el estudio, los científicos vieron que los cerebros de los músicos parecen estar hechos para este trabajo, ya que varias zonas están más desarrolladas de lo normal, una de esas zonas es el cerebelo que solo ocupa el 10% del volumen cerebral, pero en este pequeño espacio se concentran más neuronas que en el resto del cerebro. Este órgano trabaja más y más rápido que cualquier otro área, ya que es el encargado de orquestar los movimientos de todo el cuerpo.

Otra zona del cerebro que está más desarrollada en los músicos es el cuerpo calloso, se trata de una franja que conecta los dos hemisferios, es un órgano con una misión crucial, debido a que es el encargado de sincronizar los movimientos de las manos izquierda y derecha, y al estar más desarrollado, pueden viajar más señales de un lado a otro, acelerando la comunicación entre ambos.

Pero ¿porqué el cerebro de los músicos es diferente?, la pregunta es ¿nacen con él así, o se desarrolla? Los científicos realizaron un estudio para saber si es la música la que da forma al cerebro, y después de estudiar a 50 niños que empezaban a tocar un instrumento musical, descubrieron que un año después de su inicio, sus cerebros comenzaban a cambiar, activando ciertas áreas.

El cerebro es un órgano que tiene una gran capacidad de adaptación y con el trabajo adecuado y la constancia que este arte requiere, todos podemos llegar a ser grandes músicos.

Fuente: National Geographic.

En el momento más importante de la vida del estudiante de música, que es la iniciación o los primeros cursos, en los que se obtiene la base necesaria para desarrollar todos los conceptos, así como un lenguaje claro y completo, se le suele enseñar que el pulso viene representado por una figura específica, la negra y su silencio, y de este modo palmean y aprenden los ritmos más elementales.

De todas maneras, en una determinada medida, este concepto cambia en el momento en el que el denominador del compás varía, y la unidad de pulsación es otra figura. Lo importante es que sepan que la pulsación debe ser siempre regular, como el tic-tac de un reloj, y que en música, tanto al leer, como al cantar o tocar, no se puede variar, a no ser que algún elemento agógico lo modifique.

Es muy importante también, que conozcan todas las figuras que existen desde el principio de los estudios musicales, y que sepan, que el pulso, puede venir representado por cualquiera de ellas, aunque en ese momento estemos utilizando la negra.

La negra es una figura representativa del pulso en muchos momentos de la vida del músico, pero no siempre, porque si una obra está en 3/4 donde la figura que representa el pulso es la negra, pero su aire es presto, siendo su ritmo sencillo de ejecutar, se va a tocar a uno, es decir, introduciendo tres negras en un solo golpe o pulsación, por lo que, en ese momento, el pulso va a ser la blanca con puntillo, ya que este concepto viene representado por lo que se pulsa, y si agrupamos todas las figuras en uno solamente, la unidad de pulsación se modifica.

Esto ocurre también con los compases dispares y de amalgama, un compás de 5/8 puede ser las dos cosas, de amalgama si se marca a corchea y de partes desiguales si las figuras se agrupan en un grupo de tres y otro de dos, habiendo, en este caso, dos pulsaciones diferentes y con distintas subdivisiones.

Cuando una orquesta toca una partitura, con anterioridad a ello, los músicos y su director, han elegido la pulsación que van a seguir, ya que esta debe estar en consonancia, también, con el aire de la partitura, si la velocidad se ve modificada porque el director hace indicaciones que afectan a la velocidad o intensidad de la obra, en ningún caso, la pulsación se puede perder. Así como si el percusionista tiene que esperar un número determinado de compases o pulsos para tocar debe saber con toda certeza, cual es la pulsación para poder tocar en el momento justo.

Esta es la gran importancia de la igualdad de pulsación en la música, lo cual tiene mucha relevancia en todos los aspectos musicales.

Por lo tanto, la conclusión es que, el estudiante debe tener muy claro el concepto de pulso, ya que sin él puede perderse dentro de la partitura.

Es lo primero, y lo más esencial que se debe de aprender.

Al repasar el listado de las titulaciones universitarias con menos paro, los primeros puestos son para las ingenierías y la medicina. Pero en mitad de la lista, concretamente en el puesto número once, aparece Historia y Ciencias de la Música, la única titulación de Humanidades con una tasa de empleo del 90, 7%.

Los profesores universitarios consultados dan una respuesta clara: solo se ofrece en siete universidades públicas españolas y las plazas son limitadas, unas 50 al año por centro. Eso se traduce en que el número de graduados ronda los 200 al año entre todos los campus. “Con esas cifras, a diferencia de lo que ocurre con la mayoría de grados, no se satura el mercado laboral y los estudiantes no tienen tantas dificultades para encontrar un empleo”, señala Germán Labrador, director del departamento interfacultativo de música de la Universidad Autónoma de Madrid (UAM).

El perfil del estudiante que solicita este grado es especial. "Es una carrera que requiere conocimientos específicos de conservatorio, no es suficiente la materia que reciben en el instituto. No vienen a probar, sino muy convencidos y eso reduce el número de solicitudes", apunta Ramón Sobrino, director del departamento de Historia del Arte y Musicología de la Universidad de Oviedo.

Hasta 1970, Historia de la Música no se estudiaba en la Universidad española. Ese año la Ley General de Educación la estableció como materia obligatoria dentro de la titulación de Historia del Arte. Por primera vez surgió la necesidad de contratar a docentes especializados. En el año 74 se creó la Asociación de Profesores de Música -integrada por docentes de las universidades de Granada, Oviedo, Salamanca y la Autónoma de Barcelona- y en el 84 sus integrantes consiguieron que se convirtiera en una titulación de segundo ciclo, de solo dos años.

La primera en impartirla fue la Universidad de Oviedo y en los años posteriores se fueron sumando otros seis campus. Con la puesta en marcha del Plan Bolonia en 2010, la titulación de dos años se transformó en un grado de cuatro.

Fuente: El periódico El país

Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Los primeros años de su infancia los vivió en Salzburgo, a la edad de seis años componía música y tocaba perfectamente el clavicordio, el clavecín y el violín. Junto a sus padres, Leopold Mozart y Anna Maria Pertl, y su hermana mayor Nannerl, pasaron muchos años de gira por Europa como concertistas.

Su hermana se separó de ellos y Wolfgang continuó componiendo y viviendo junto a sus padres. A los 17 años fue contratado como músico de la Corte de Salzburgo pero renunció para buscar escenarios más prestigiosos, y nuevamente partió de gira con su padre.

Mozart murió el 5 de diciembre de 1791, a sus 35 años.

A continuación descubriremos algunos datos interesantes sobre la vida de Mozart.

EL VERDADERO NOMBRE DE LOS MOZART:
El nombre real de Wolfgang Amadeus era Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, y el de su hermana Nannerl en realidad era Maria Anna Walburga Ignatia Mozart. Wolfgang y Nannerl fueron los únicos dos sobrevivientes de siete hermanos.

LA HERMANA DE MOZART:
Nannerl tenía unos cuatro años más que Wolfgang y desde pequeña mostró gran habilidad para diferentes instrumentos. Su padre le enseñó a tocar el piano, pero ella sentía deseos de componer música. Su condición de mujer no le permitía componer, así que se dedicó a dar lecciones de piano.

LA OBRA DEL MAESTRO:
A Mozart se le atribuyen aproximadamente 600 obras completas, entre las que se encuentran 68 sinfonías, 27 conciertos para piano, 18 sonatas para piano solo, 8 sonatas para dos pianos y 36 sonatas para violín. También 23 cuartetos y 6 quintetos de cuerda. Además de cientos de piezas musicales menores.

EL NIÑO PRODIGIO:
Desde los 5 años tocaba junto a su hermana en las más prestigiosas Cortes de Europa y componía trabajos propios. Mozart compuso su primer sinfonía a los 8 años de edad, y su primer ópera completa a los 14. Además, 33 de sus 68 sinfonías las escribió entre los 8 y los 19 años de edad.

MOZART ERA MASÓN:
A los 28 años Mozart se unió a la francmasonería, una fraternidad secreta con muchos siglos de historia en la cultura occidental.

LA MUERTE DE MOZART:
Mozart murió a los 35 años de edad, en Viena, bajo circunstancias poco claras. Desde pequeño solía enfermar y sus padres debían suspender sus giras. La versión oficial de su muerte es que enfermó sobre finales de noviembre y el 5 de diciembre finalmente murió, sin embargo, no se sabe exactamente de qué murió Mozart debido a que no se realizó autopsia y la tumba no ha sido encontrada.

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