Blog

LA VUELTA DE LAS VACACIONES ESTIVALES

Cuando un estudiante de música, el cual realiza sus actividades, siempre, en horario extraescolar, ve acercarse las vacaciones estivales, se siente descansado, sabe que durante un tiempo no tendrá que asistir a clase, y podrá realizar otro tipo de actividades, que en muchas ocasiones están de acuerdo con sus aficiones.

Lo más importante, en este momento, es que la música, y todo lo que ha estudiado a lo largo del curso académico se convierta en su afición favorita, ya que de ese modo, no dejará de estar en contacto con todos los conocimientos musicales ni con el instrumento, lo cual es de suma importancia para el regreso a la actividad después de este merecido descanso.

Cuando tomamos contacto con el nuevo curso escolar, en centros de educación musical, a veces, cambiamos de profesor, de centro, o seguimos de la misma manera que estábamos el año anterior, todas estas posibilidades hay que contemplarlas, porque no es lo mismo, para el estudiante, seguir con su profesor habitual, que tener que amoldarse a nuevas formas de enseñanza o nuevos proyectos curriculares.

Pero es de suma importancia, el repaso estival, ya que de ese modo, el profesor, aunque haga un repaso de la materia, antes de comenzar con el nuevo temario, se apoya sobre conocimientos frescos, es decir, no son nuevos, o lejanos, están en el cerebro del estudiante, y se pueden recuperar muy fácilmente.

Resulta mucho más complicado, enfrentarse a conocimientos que no se han repasado durante el verano, ya que estos pueden estar sumamente olvidados y el profesor, en este caso, tendría que comenzar de nuevo con la materia del curso anterior, explicándola como si esta no se hubiese dado nunca.

Es muy importante, que el estudiante de música, desde el primer día que toma contacto con los estudios musicales, en cualquier centro académico, tenga conciencia de que la música, por ser un arte, tiene una particularidad fundamental, y es, la autonomía, tanto en el estudio, como en la interpretación, por eso los grandes divos son ellos mismos, y nadie les puede igualar, porque han desarrollado un estilo muy particular.

Por eso, para llegar a esto, que es lo que todos deseamos, tenemos que comenzar el curso, con ánimo, entusiasmo, habiendo repasado los conceptos anteriores, y teniendo muy claro que no solo el instrumento es importante en música, sino todas y cada una de las materias que integran los estudios musicales, es decir, lenguaje musical, armonía, historia de la música, etc…

Si tenemos un buen comienzo, con toda seguridad, tendremos un final de curso totalmente exitoso.

NICCOLO PAGANINI: UN GENIO DEL VIOLÍN

Un extraño síndrome que provoca un alargamiento inusual de las extremidades le convirtió en el mas grande virtuoso del violín.

Cuenta la leyenda que una noche de 1787, un diablo se le apareció en sueños a Teresa Bocciardo, esposa del comerciante genovés Antonio Paganini. Le comunicó que su hijo de cinco años estaba predestinado para ser un mago del violín. Antonio decidió entonces que el pequeño Niccoló iba a ser «el más grande violinista del mundo». Le encerraba durante diez horas diarias para practicar y le busco un profesor, el maestro Alessandro Rolla. Al escucharlo tocar le dijo: «Has venido a aprender pero no tengo nada que enseñarte».

Niccoló se presento al público por primera vez con diez años y con dieciséis ya tenía una enorme popularidad. Era flaco, alto, feo, desgarbado y con unas extremidades exageradamente grandes. Se dice que sus manos llegaban casi a las rodillas. Se presentaba al público con trajes gastados y raídos y una frondosa melena. Sus dedos de gran longitud le permitían ejecutar movimientos increíbles y alcanzar registros imposibles. Numerosos estudios sostienen que padecía el Síndrome de Marfan, una extraña enfermedad que afecta a una de cada cinco mil personas. Antes de cumplir los veinte años había compuesto más de veinte piezas para diversos instrumentos. En 1805, con veintitrés años, fue nombrado director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. Cargó que ocuparía hasta 1813.

A pesar de su aspecto, el glamour de su música y la fortuna que esta le procuraba, le permitía llevar una vida de mujeres y borracheras. Un noble dama italiana, bastante mayor que él, lo sacó de los ambientes del vino. Pero, la historia se terminó pronto y Niccoló regresó a la mala vida, esta vez por la senda del juego. Pasaba de cama en cama y dilapidaba todo dinero que caía en sus manos. A su tara genética congénita, añadió Paganini con el tiempo la sífilis. La perfección de su música llevó a que corriera el rumor que se debía a un pacto con el diablo. Cuando se anunciaba un concierto de Niccoló todo el mundo corría al teatro, desde el más sofisticado burgués a la madame de prostíbulo.

Por aquellos años, compone Paganini sus famosas piezas para violín que serían luego reinterpretadas para piano por Franz Liszt, entre ellas la conocida como «La Campanella», el movimiento final del «Concierto para violín nº 2 en Si menor».

Paganini contrajo matrimonio con la cantante Antonia Bianchi, con la que tuvo un hijo al que llamó Aquiles. Falleció en Niza, Francia, el 27 de mayo de 1840. El Obispo de la diócesis negó el permiso para su entierro y su ataúd permaneció varios años en un sótano a causa de sus pactos demoníacos.

Fuente:
ANTONIO MUÑIZ / MADRID
Periódico ABC

Ludwig van Beethoven fue un genio. Compuso 343 obras en total, incluyendo 9 sinfonías, 1 ópera, 2 misas, 32 sonatas para piano, 5 conciertos para piano, 1 concierto para violín, 1 triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, 16 cuartetos de cuerda, 10 sonatas para violín y piano, 5 sonatas para violonchelo y piano y decenas de obras más.
138 de sus obras fueron numeradas por él mismo, mientras que 205 fueron conocidas y publicadas después de su muerte.

Entre todo su legado hay una pieza que destaca, y no solo por su belleza musical, sino por todo lo que significó para la música y el arte en general. La 9ª Sinfonía de Beethoven resignificó a la música clásica y cambió su rumbo para siempre. Citamos 5 aspectos por los cuales la Novena Sinfonía fue extraordinaria y tan importante para el arte.

1. Fue la primer sinfonía en introducir la percusión:
Las sinfonías son un tipo de pieza musical compuesto para orquesta, y la percusión no era, hasta ese momento, un elemento típico de orquesta. La introducción de instrumentos de percusión en el cuarto movimiento de la Novena Sinfonía marcó para siempre un cambio rotundo en la composición de las orquestas.

2. Fue la primera sinfonía en introducir el coro:
El cuarto movimiento, además de la percusión, introduce un elemento mucho más revolucionario: el coro. Esto atrajo a grandes críticos que intentaron desprestigiar la obra de Beethoven, el propio Giuseppe Verdi dijo tras el estreno de la sinfonía, en 1824: «Los primeros tres movimientos son maravillosos, todo termina muy mal en el último». A pesar de las críticas, la Novena Sinfonía dio comienzo al género de la sinfonía coral, que tuvo gran éxito durante el romanticismo —siglo XIX y principios del XX— hasta el comienzo del impresionismo musical.

3. Marcó el final del clasicismo, y el inicio del romanticismo musical:
La música clásica se caracteriza, entre otras cosas, por la rigidez de su estructura. Las innovaciones que Beethoven introdujo asentaron un precedente único en la historia y marcaron el comienzo del romanticismo musical, mucho más emocional y desestructurado. Por este motivo se dice que Beethoven fue el último clásico y el primer romántico, aunque los límites temporales de los movimientos artísticos no son tan fáciles de establecer.

4. El Himno de la Alegría
Los versos introducidos por Beethoven son, en realidad, un poema de su amigo Friedrich Schiller quien se lo cedió. El poema, originalmente nombrado Oda a la Alegría, fue ligeramente modificado por Beethoven por motivos de ritmo y métrica. Actualmente esta parte de la sinfonía es el himno oficial de la Unión Europea y el Consejo de Europa.

Para comprender mejor el sentido y el significado de esta obra para la época, uno de los momentos más álgidos se puede leer:

¡Alegría, bella chispa divina,
hija del Elíseo!
¡Penetramos ardientes de embriaguez!
¡Oh celeste, en tu santuario!
Tus encantos atan los lazos
que la rígida moda rompiera;
y todos los hombres serán hermanos
bajo tus alas bienhechoras.

5. Su duración marcó para siempre todos los géneros musicales:
Seguro que sabes que los discos compactos (CD) duran 74 minutos, ¿pero sabes por qué es eso exactamente? Los discos compactos tienen una capacidad de reproducción de 74 minutos porque 74 minutos es la duración exacta de la Novena Sinfonía de Beethoven.

Todos estos rasgos hacen que la Novena Sinfonía de Beethoven tenga tanta importancia en la música en general, y no solo en la música clásica. Sin embargo, este dato dice algo mucho más importante aún, y es que la Novena Sinfonía representa el acercamiento de la música a las clases populares.
La música, como toda forma de arte, tiene un significado social y en el caso de Beethoven, sus composiciones tenían que ver con el contexto sociopolítico de la época.

La Tercera Sinfonía también es un excelente ejemplo, ya que fue inicialmente dedicada a Napoleón Bonaparte. Pero cuando Napoleón se autoproclamó emperador, en 1804, Beethoven se enfureció tanto que borró la dedicatoria y la renombró «Sinfonia eroica, composta per festeggiare il sovvenire d'un grand duomo» (Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre) haciendo clara alusión al que fue, y ya no era, un gran hombre

LA IMPORTANCIA DE LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO

Todos los que, hoy en día se sientan detrás de la mesa del profesor, antes de llegar a ello se han sentado, durante muchos años en la del alumno, por lo que, vamos a sentirnos niños por un momento y a pensar como ellos.

Llegamos a una clase de una asignatura que no sabemos si nos gustará o no porque no la conocemos, y tan solo hemos oído hablar de ella, ¿en qué nos fijamos? ¿qué es lo que llama nuestra atención?

El primer día, observamos al profesor, su forma de expresarse, sus gestos, su forma de vestir etc.…somos totalmente observadores, no se nos escapa un detalle, puede ser que incluso, estemos más pendientes a todos que los detalles que a lo que está diciendo en ese momento, pero a esto se le llama toma de contacto.

El segundo día, ya empieza a explicar, entonces, es cuando para nosotros, tiene una vital importancia todo lo que diga o haga en este tiempo. Llega a ser tan importante que podemos llegar a enamorarnos de la signatura por medio de la didáctica que él utiliza para hacernos llegar el mensaje que desea.

Cuantas veces decimos: Esta asignatura me encanta, o también, esta asignatura la detesto, no puedo con ella... En este juicio que hacemos de la asignatura juega un papel muy importante la formación del profesor y su forma de hacer llegar el mensaje que desea, su forma de hacernos vencer todo lo que nos cuesta y su acercamiento a nosotros como persona, así como su forma de ponerse a nuestra altura para que nunca nos sintamos desplazados o inferiores a él.

Es por este motivo y por todos los demás lo que significa vencer con éxito una asignatura básica, como es Lenguaje Musical, la cuál además, incide en todas las áreas musicales.

Pero en la especialidades instrumentales también lo es, porque se puede vencer con éxito, si el acercamiento que debe haber entre alumno y profesor se produce.

El profesor que nos dé clase, no debe sólo ser un gran especialista en su materia, sino que, además, debe saber acercarse a nosotros y trasmitirnos todo lo que sabe para que le tomemos como modelo y podamos, algún día llegar a ser como él.

LOS BENEFICIOS DE ESCUCHAR MÚSICA CLÁSICA

Siempre supimos que la música es buena para la salud. Nos pone de buen humor, reduce la presión sanguínea y hasta mejora la función muscular. Sin embargo, hasta ahora, los científicos no habían podido descubrir cómo exactamente la música afecta e influye en nuestro cerebro.

El impresionante descubrimiento se produjo en la Universidad de Helsinki a cargo de un grupo de investigadores liderado por Irma Järvelä. Los científicos se disponían a investigar los principios moleculares que conducen los cambios en nuestro cerebro. Descubrieron que la música clásica altera la función de los genes. Escuchar música mejora la actividad de los genes implicados en la secreción y el transporte de la dopamina, la función de sinapsis, el aprendizaje y la memoria.

Concretamente lo que hicieron los investigadores fue separar a los participantes de la investigación entre aquellos que estaban acostumbrados a escuchar música clásica y aquellos que no. Luego todos los participantes escucharon el Concierto nº3 para violín en Sol Mayor de Wolfgang Amadeus Mozart.

Los investigadores midieron el perfil transcripcional de la sangre periférica antes y después de la exposición a la música. Los resultados indicaron que después de escuchar la música los participantes con experiencia musical mostraban cambios a nivel genético. En los participantes sin experiencia no se relevaron cambios significativos a nivel genético. Los cambios producidos fueron de dos tipos: por un lado, la música clásica impulsó la función de los genes relacionados con la memoria, el aprendizaje y el funcionamiento cerebral en general. Además de un receptor específico que regula el estrés, la depresión y hasta los comportamientos adictivos. Y por otro lado, y esto quizás sea lo más interesante, redujo o neutralizó la función de los genes relacionados con el envejecimiento cerebral y el deterioro neuronal en general, incluídos los genes relacionados con el Alzheimer, entre otras enfermedades.

Estos descubrimientos contribuyen a la explicación científica de los beneficios de la musicoterapia en el tratamiento de diferentes enfermedades mentales.

La música es un arte que necesita para su aprendizaje de dos cosas fundamentales, la primera un buen profesor, el cual va a dirigir los pasos del estudiante por un camino que le puede conducir al éxito, y el segundo, y, quizás más importante el trabajo independiente que debe realizar el alumno.

La particularidad que tienen las enseñanzas artísticas en general, es que el profesor actúa de director en los estudios elementales o profesionales, por eso requieren de actitudes como la autocorrección y autodisciplina, porque es el propio alumno el que, cuando estudia, debe saber con seguridad qué es lo que realiza correctamente y en qué se equivoca, y tener la disciplina de corregirlo en ese mismo momento. Esto es lo que consigue que se pueda avanzar con rapidez, ya que las clases, regularmente, se realizan una vez a la semana.

Hay estudiantes que tienen la suerte de nacer en una familia de músicos, en este caso, pueden ser revisados con regularidad por sus familiares, pero no es lo más habitual, ya que cuando un niño decide comenzar sus estudios musicales, en muchas ocasiones, lo hace por voluntad propia a una edad en la que el razonamiento y su gusto por las artes está completamente definido, aunque en su familia no haya esta tradición.

Sin embargo el estudio de cualquier materia que tenga relación con la música, ya sea el instrumento, lenguaje musical, armonía etc…requieren el trabajo autónomo del estudiante, ya que es, únicamente, de ese modo, como se crea la capacidad individual artística, pudiendo destacar de una forma única, pues nadie más va a interpretar o componer del mismo modo, ya que ello va íntimamente ligado a la forma de ser del individuo, su personalidad, musicalidad, y forma de expresarse.

Si el objetivo del estudiante es llegar lejos en el arte musical, desde un principio, debe seguir las pautas de su profesor, sin olvidar que su trabajo individual y diario en todas las áreas es muy importante, ya que para adquirir el carácter independiente del que hemos hablado todos los aspectos técnicos y musicales son imprescindibles.

LA MÚSICA EN LA FORMACIÓN Y DESARROLLO HUMANO

La formación musical va muy unida al desarrollo integral del ser humano ya que estimula el desarrollo de todos los sentidos, así como la abstracción, razonamiento, memoria, orden, creatividad, y comunicación.

Este desarrollo e importancia es tan antiguo que si nos remontamos a la antigua Grecia, observamos que para ellos era sinónimo de orden, armonía, proporción y equilibrio.

Hemos de tener en cuenta que la formación musical desarrolla la personalidad del individuo incidiendo en el optimismo y el bienestar personal. Muchas personas estudian música de forma amateur para tener una evasión o momento de felicidad cuando ejecutan sus pequeñas obras en sus instrumentos.

La música, además se introduce en el alma del ser humano, afectando a su equilibrio, por medio de la dulzura de sus sonidos y proporción matemática de sus ritmos.

Platón decía que la música en la infancia apacigua el estado de ánimo, por eso hacía referencia a la música infantil y las canciones de cuna para crear tranquilidad y calma en los niños.

Hoy en día, incluso se utiliza con fines terapéuticos, para personas con ciertas discapacidades o problemas patológicos, ya que tiene un valor medicinal, debido a su valor expresivo y emotivo, de ese modo puede utilizarse como analgésico, calmante, de utilidad para problemas de insomnio etc…

Desde el punto de vista social, también toma un papel importantísimo, ya que, a través de ella, y junto a ella, la gente se reúne, tanto ejecutando como escuchando. Por lo que, de este modo, se favorece el respeto hacia los demás. Y si lo miramos desde el punto de vista de la ejecución instrumental en grupo, observaremos que, además, esta requiere flexibilidad y capacidad de adaptación al mismo tiempo.

La reflexión a la que se llega es que la música es imprescindible para el desarrollo humano en todos los ámbitos de la enseñaza, por su gran importancia en la formación integral que proporciona experiencias cognitivas y sensitivas. Por lo que la inclusión de esta materia en los planes de estudio se hace imprescindible.

Ediciones Toys and Dreams Music forma parte del Nº12 de la Revista en Concierto Clásico, distribuida a nivel nacional en los principales puntos de venta especializados de música e instrumentos.

SOBRE LA REVISTA:

En Concierto Clásico, es una revista semestral potenciada por los principales importadores, distribuidores y mayoristas de instrumentos clásicos de España.

La publicación en papel puede encontrarla en las mejores tiendas de instrumentos clásicos del país, cada seis meses, de forma totalmente gratuíta.

El objetivo único de En Concierto clásico es el de presentar, promocionar e informar acerca de nuevos productos que aparecen en este mercado con información de primera mano.

SOBRE EL ARTÍCULO:
Os dejamos un pequeño avance sobre el artículo publicado.

Toys and Dreams Music es una editorial afincada en Madrid que comenzó su andadura en el año 2007.
Está especializada en la publicación de material didáctico para la asignatura de Lenguaje Musical en la Enseñanza Elemental y Profesional, habiendo publicado varias metodologías cubriendo todos los niveles de este lenguaje universal, todo ello bajo el mismo logotipo representado por una clave de Sol y un pentagrama, icono representativo del comienzo de los estudios musicales.

El nombre de la Editorial sugiere el objetivo final del Lenguaje Musical, que es tocar e interpretar el contenido de cualquier partitura, teniendo previamente una buena base de su lenguaje, ya que la finalidad de la música es poder disfrutar y llegar a comprender lo que nos transmite cada composición.

Importancia de la pedagogía en sus métodos:

La principal característica de Ediciones Toys and Dreams Music es el cuidado de la pedagogía en todas sus publicaciones, fruto de la especialización de su principal autora Mª Agustina Perandones Mánuel, Doctora en Didáctica del Lenguaje Musical por la Universidad Complutense de Madrid, en cuya tesis doctoral realizó un estudio sobre la calidad de la enseñanza de esta asignatura en centros educativos de todo el país.

Cada método lleva implícito un estudio sobre la manera de transmitir el conocimiento, para obtener excelentes resultados que deriven en una buena formación musical.

Su principal objetivo pedagógico es el aprendizaje por comprensión, debido a que no se puede aprender ningún concepto sin una base previa teórica y una práctica posterior.

Para leer el artículo completo, os adjuntamos el link:
http://www.ecclasico.com/articulo/420.html

Muchas personas piensan que el estudio del Lenguaje Musical debe ir íntimamente unido al del instrumento, de tal modo, que sólo se debe estudiar aquello que aparece en las partituras y es necesario para tocar.

Sin embargo la asignatura de Lenguaje Musical, no deja de ser el estudio específico de un Lenguaje, como su nombre indica, del cual hay que aprender todas y cada una de las áreas que afectan a su conocimiento, y sobre todo, tener en cuenta, que si se utiliza la comprensión como punto de partida, este será mucho más sencillo, y se obtendrán excelentes resultados.

Pero para ello los contenidos que afectan a cada una de las áreas deben ir interrelacionados, y por supuesto, bien secuenciados. La buena secuenciación de los contenidos se produce, cuando partimos de un elemento conocido, ya sea, verbal, matemático, o musical para establecer un dato que debe ser comprendido, y en base a ello, se formula todo lo demás.

Como fundamento filosófico a esta teoría, diremos que, las cosas más sencillas deben aparecer, siempre, antes que las más complicadas, teniendo en estas su base, es decir, en primer nivel, deben aparecer las dos negras ligadas antecediendo a la figura de blanca que sería la suma de estas dos.

Algunos preguntarían ¿por qué? ¿Qué más da? Yo prefiero primero la blanca y después la ligadura de las dos negras, pero hemos de tener en cuenta que la ejecución de una blanca es la de dos pulsos enteros prolongados. Este procedimiento no es comprensible con la figura únicamente, como punto de partida.

De hecho al estudiarlo de este modo, muchas veces se producen defectos en las ejecuciones de las notas largas, lo cual es originado por la falta de compresión de su duración, lo cual no ocurre cuando el estudiante puede observar con sus propios ojos, que la nota debe prolongarse procediendo a su ejecución correcta.

De este modo tan sencillo se van a ir introduciendo todos y cada uno de los contenidos de la asignatura, ya sean, teóricos, rítmicos, melódicos o auditivos, siempre con una base de conocimiento para su comprensión, y por supuesto, con una aplicación inmediata posterior.

La buena secuenciación de conocimientos consigue que el estudiante pueda progresar lentamente sin dejar de lado ningún aspecto de la asignatura, lo cual, le proporciona una base lógica con la que puede, en la actualidad, y con posterioridad abordar cualquier área musical con éxito.

LA ENTONACIÓN EN EL LENGUAJE MUSICAL

Algunas personas que se acercan a los estudios musicales se preguntan ¿por qué hay que cantar? Otras sin embargo cuando la actividad se presenta en una clase de Lenguaje Musical, lo ven como algo extraño y cantan sin voz, para que no se les oiga, es decir, con un cierto pudor.

Lo cierto es que, hoy en día, los niños no cantan como antes, es decir, se ha perdido la canción infantil que tan entretenidos tenía a los niños, y que educaba, de cierta manera, su musicalidad y su voz.

Es por este motivo, por el cual, se tiene ese pudor hacia la actividad del canto, pero es el momento, en una clase de Lenguaje Musical en el que el estudiante hace algo verdaderamente artístico, es el momento de la interpretación vocal, es el momento de la aplicación de todos los conocimientos teóricos y rítmicos, y sin duda, es el momento en el que, a través de la voz, se educa el oído.

Los niños y adultos cantan en cualquier momento, ya que al oír una música en la radio que nos resulta agradable podemos seguirla con nuestra voz, pero este acto es totalmente voluntario, sobre algo que ya se conoce, lo que es totalmente distinto de lo que se presenta en una clase de Lenguaje Musical.

Algunas veces las entonaciones se cantan solo una vez, y no se vuelven a retomar, o no se maduran lo suficiente para que se queden en el oído y resulten familiares, lo cual es un verdadero error, ya que con la práctica constante sobre una misma melodía y su familiaridad con ella se llega a dominar el ritmo que contiene, a comprender lo matices y elementos que la afectan, llegando de este modo a su verdadera interpretación.

El hecho de dominar el canto en la clase de Lenguaje Musical, no solo afecta a este momento, sino que educa al estudiante en el modo en el que debe interpretar cualquier partitura, lo cual tiene una relación intrínseca con el instrumento.

Algunos estudiantes tienen la costumbre de comenzar, y cuando se equivocan paran y empiezan de nuevo, esto en música, y sobre todo al cantar o tocar no se debe hacer nunca, hay que continuar. Esto se aprende realmente, cuando en la clase de Lenguaje musical el profesor comienza a tocar, el alumno comienza a cantar y hay un dúo que no se detiene hasta el final.

También es importante el hecho de cantar, ya que a través de la voz se interiorizan los sonidos que después se deben reconocer en un dictado musical, cuya práctica sino se tiene la buena formación vocal, puede resultar muy difícil, ya que entonación y dictado están íntimamente unidos, de este modo se llega a una verdadera formación vocal y auditiva al mismo tiempo.

Páginas